Le nouvel album tant attendu de Greta Van Fleet est enfin sorti cet été. À cette occasion, nous en avons discuté il y a quelques semaines avec Sam Kiszka, le bassiste du groupe américain, au sujet de ce fameux Starcatcher.
Salut Sam, comment ça vas-tu ?
Sam Kiszka (basse/claviers) : Super bien. Et toi, comment vas-tu ?
Cela va bien merci. La sortie du nouvel approche (ndlr : au jour de l’interview). Comment vous sentez-vous à quelques semaines de cet événement ? Y a-t-il une différence ou un état d’esprit particulier concernant Starcatcher ?
Sam : Oui, je déteste cet album et je vais essayer de l’empêcher de sortir. Je suis en train d’essayer d’annuler sa sortie. Je plaisante bien sûr. Je l’adore. Je l’adore tellement. Et voici ce que je pense. C’est une évolution très naturelle pour Greta Van Fleet, et c’est le son que nous avons toujours cherché à atteindre tout au long de notre carrière. Donc, tu sais, je pense que cela vient en partie de l’angle de Dave Cobb et Greg Gordon, Dave Cobb, le producteur, Greg Gordon, l’ingénieur. Ils ont une connaissance et des ressources des techniques d’enregistrement classiques et du mixage également.
Donc, du point de vue sonore, nous avons utilisé de nombreuses astuces. Nous avons utilisé des pistes inversées, des panoramiques dans tous les sens, des machines à bande, d’incroyables reverbs à plaque, tu sais, nous avons fait tout cela. Donc, d’un point de vue sonore, c’est vraiment incroyable et précis, exactement ce que nous voulions. Et chaque instrument a son propre espace et tout peut chanter sa propre mélodie, tout en étant homogénéisé lorsqu’il sort des haut-parleurs pour créer ce son bien équilibré que j’adore, et ce n’est que le côté sonore.
En ce qui concerne l’écriture des chansons, je pense que c’est l’un de nos travaux les plus avancés et créatifs, car c’est si simple. Nous avons vraiment simplifié les choses sur celui-ci. Nous n’avons pas essayé de faire quelque chose de trop épique. Nous n’avons pas essayé de faire quelque chose de trop sophistiqué, mais cela s’est certainement révélé épique d’un point de vue de l’écriture des chansons, parfois cela change de rythme et cela ralentit, et puis tu te retrouves dans un environnement psychédélique. Nous aimons ce genre de choses.
J’adore cet album, mais l’un des principaux éléments est l’un des trois piliers de ce disque. Peut-être qu’il y en a quatre, peut-être que le quatrième est les paroles. Mais le troisième, je dirais que c’est certainement la manière dont nous l’avons capturé, pas comment nous l’avons capturé, mais l’environnement était si détendu, presque nonchalant. Il n’y avait pas de pression et nous avons pu communiquer entre nous soniquement à travers nos instruments, en utilisant ce langage, tu sais, nous jouons ensemble depuis presque dix ans.
Nous connaissons donc ce langage et nous avons pu être très francs, réels et authentiques, ce qui, je pense, était très important pour que Starcatcher capture la musique dans sa forme la plus organique.
Starcatcher est très aérien, et tu as mentionné Dave Cobb, et il y a quelques mois tu as affirmé qu’il était le producteur évident pour cet album. Comment cela s’est-il passé ?
Sam : Nous avons cherché dans l’annuaire téléphonique et nous sommes allés sous la rubrique des producteurs et il était le premier avec un C au début de l’alphabet. (rires) Maintenant, je pense que ce qui s’est vraiment passé, évidemment nous connaissions Dave Cobb car à ce stade de sa carrière, il est un producteur très prolifique, surtout à Nashville. Mais nous avons donc rencontré Dave et aussi lorsque nous enregistrions notre premier album, Anthem Of The Peaceful Army (2018), nous avons rencontré Dave car Dave et Jay Buchanan (Rival Sons) sont venus au studio Blackbird. Donc nous nous sommes brièvement rencontrés et avons passé du temps ensemble. Plus tard, nous sommes tous allés chez RCA et nous avons rencontré Dave Cobb, nous avons écouté de la musique et nous avons vraiment accroché, et nous nous sommes dit : “C’est le bon moment pour faire un album.” Et tu sais, nous avons parlé de Humble Pie, nous avons parlé des premières choses de Zeppelin, nous avons parlé des Rolling Stones et des techniques d’enregistrement des Beatles, et nous avons parlé de certains des albums qu’il a faits avec Brandi Carlile ou Chris Stapleton. Donc c’était vraiment intéressant. Et nous parlions tous le même langage, musicalement.
Donc c’était une décision très naturelle. Et Greg Gordon, l’ingénieur, a joué un rôle essentiel dans son processus et juste le fait de traîner et d’être à l’aise. C’est le processus de Greg. Et en utilisant toutes ces techniques d’enregistrement classiques qui ont fait leurs preuves et que l’on retrouve dans tous les albums que nous aimons. Et l’une des choses qui était si importante pour cet album, c’est que non seulement tous les instruments ont leur propre espace sonore, mais la salle sonnait si belle. RCA Studio Air, qui est une salle incroyablement vieille et historiquement significative. Et cela sonne tellement fantastique.
Donc une grande partie de l’album que tu entends, ce sont nos amplis à l’air libre, les batteries à l’air libre et Josh qui chante à l’air libre. Donc c’est très, comme tu l’as dit, cela capture un peu l’aspect aérien de la pièce et cela donne une sensation de vie et cela donne l’impression d’être chez soi. L’objectif était de faire sentir à l’auditeur qu’il est réellement présent, dans ce que ressent la pièce et tu sais, tu es dans un grand espace.
Et cela correspond également à la vidéo “Meeting The Master“, qui sont les images pour lesquelles on peut deviner, en écoutant la musique, des vibrations célestes qui correspondent aussi à la musique. Devons-nous également interpréter ou peut-être ne pas trop réfléchir à votre désir d’atteindre une sorte de paix musicale ? Ou est-ce simplement une transcription de votre expérience en studio ? Comme si vous étiez libres de faire ce que vous vouliez dans une atmosphère paisible ?
Sam : Oui, je pense que cela crée presque une expérience à perspectives multiples lorsque tu en parles de cette façon. Parce que c’est vrai. Oui. Une grande partie de l’album parle du Starcatcher, une sorte de figure mythologique et divine. Donc je pense que dans l’ensemble, oui, c’est un espace ouvert. C’est libre d’une certaine manière. C’est capricieux, psychédélique, et il s’agissait simplement de capturer cette étincelle dans une bouteille, car ce qui se passe, c’est que nous sommes sur la route pendant des mois, puis nous nous réunissons et nous nous disons : “OK, écrivons quelque chose parce que nous commençons à nous ennuyer après être restés à la maison pendant trois jours“, et cela explose.
Et je pense que cela s’est passé ainsi, car la plupart du temps, au lieu d’écrire simplement de la musique, on a l’impression d’explorer et d’explorer certains territoires, on va plus loin, car c’est le but de l’exploration pour nous. Et non seulement tu explores et découvres des choses, mais tu crées en même temps. Donc tout cela se mélange en une seule chose, et surtout quand il s’agit d’un groupe de quatre membres, avec Dave Cobb qui intervient et dit : “Oh, changeons cette partie dans cette tonalité“, des trucs intéressants comme cela. Donc tout se mélange, comme je l’ai dit, et cela crée quelque chose de plutôt unique, je pense.
Danny a déclaré que vous vouliez construire un univers. Et lorsque nous écoutons l’album, nous pouvons entendre et identifier cet univers que vous avez créé, mais tu as également évoqué vos débuts, donc le passé. Comment les deux peuvent-ils fonctionner ensemble sans être opposés ?
Sam : Oui, c’est intéressant que tu dises cela, car cela va de l’avant tout en regardant en arrière en même temps. Nous avons fait The Battle At Garden’s Gate (2021) et c’était l’album que nous voulions faire toute notre carrière. Nous nous sommes dits : “OK, que faisons-nous ensuite ?” Et la seule façon d’avancer, c’est de regarder derrière soi. Et c’est exactement ce que nous avons fait. Et je pense que c’était une bonne approche, car ce qui s’est passé, c’est que nous avons pu vraiment nous concentrer sur l’énergie de la musique, être détendus, mais créer les parties en même temps et, comme je l’ai dit, c’était comme si tu courais après cette chose. Tu essaies de capturer cet objet en mouvement, qui n’est pas moi. Josh, Jay, Daniel, Dave… C’était cette chose créée par nous. Elle s’échappe. Nous devons donc la poursuivre. Et ce n’était pas la chose la plus facile de suivre le mouvement de la musique, mais c’était une expérience totalement différente, car on essaie presque de suivre la créativité qui explose dans la pièce. Et je pense que cela rend l’album très excitant et cela a également créé cette ambiance.
Donc, l’univers que vous avez construit pour cet album et la façon dont fonctionne aujourd’hui les plateformes de streaming, comme les playlists et les singles, n’y a-t-il pas ici un risque ? Peut-être pas pour vos fans actuels, mais pour quelqu’un qui souhaite écouter un nouveau morceau et découvrir votre musique, mais qui n’a qu’un morceau dans une playlist pré-faite, vous savez, comment entrer dans cet univers dans ce cas-là ? Et le risque, disons, de construire un univers en tant qu’album, mais en sachant que la façon dont il sera distribué n’est pas totalement en phase avec cette philosophie.
Sam : Voici la chose à propos de la musique que nous aimons, et aussi en tant que Greta Van Fleet, l’univers que nous construisons. Je ne sais pas si nous le construisons par-dessus ou en dessous de la musique, mais tu n’as pas besoin de connaître le contexte, et c’est là que réside l’incroyable.
Il y a cette peinture de Picasso que j’aime citer, et elle parle de la guerre civile espagnole qui s’est déroulée de son vivant. C’est une belle peinture, mais tu ne connais pas le contexte à moins de connaître historiquement le contexte. Il y a donc cette couche en dessous. Et je ne compare pas directement Greta Van Fleet à Picasso, mais juste le concept, c’est que la musique se tient par elle-même.
Tu n’as pas besoin de connaître le contexte. Tu n’as pas besoin de connaître le monde dans lequel elle vit. Mais si tu veux en savoir plus, si tu entends la musique et que tu te dis : “wow, c’est vraiment génial, je veux en savoir plus, je veux plus de contexte“, c’est là, car il y a cet univers visuel que nous avons créé et que nous créons activement, car c’est vraiment important pour nous. L’univers cinématographique, l’univers visuel cinématographique de la créativité et de la scène.
Donc la musique se suffit à elle-même, mais le live est quelque chose de complètement différent et l’univers visuel est quelque chose de complètement différent. Et dans tous les arts que nous aimons vraiment, tu peux continuer à creuser, à déterrer des choses et tu continues à découvrir de nouvelles choses. Et nous cachons un peu ces sortes de clins d’œil. Et oui, je pense que c’est parce que nous sommes agités, perfectionnistes et aussi un peu égomaniaques. C’est pourquoi nous nous infligeons cela.
Et voici la question traditionnelle pour finir : nous sommes RockUrLife. Donc, fondamentalement, qu’est-ce qui rock ta life ?
Sam : Ce qui rock ma vie… tu sais ce qui rock ma vie, c’est d’être ancré sur cette Terre sur laquelle nous sommes. Et chaque fois que je me sens dépassé, et c’est souvent le cas car de la musique résonne tout le temps dans ma tête, et je ne peux l’arrêter. Et je pense constamment à ces choses. Mais quand je peux aller dans la forêt et m’asseoir là-bas et entendre les oiseaux chanter et le vent souffler dans les arbres, c’est à ce moment-là que je peux enfin me détendre.
Donc je suppose que ce qui rock ma vie, c’est cette roche, cette planète. C’est mon ancre. C’est la nature, être dehors, être connecté à cette magnifique et énorme sphère qui tourne dans l’univers à des vitesses terrifiantes. Voilà ce qui rock ma vie.
Parfait. Merci beaucoup !
Site web : gretavanfleet.com
